Si  hace unos días alguien me dice que una película con abundantes postalitas de una ciudad belga, numerosas escenas de plano contraplano, asesinos a sueldo en plan gracioso y un fuerte sabor teatral no sólo me va a gustar sino que me va a parecer una de las mejores películas recientes que haya visto, habría pensado que me estaba tomando el pelo. De las múltiples combinaciones de elementos que pueden darse en un filme, ésa tendría a priori bastantes papeletas para provocarme un profundo repeluco, y sin embargo, oh sin embargo, EN BRUJAS obra el milagro. Un   guión absolutamente redondo, y tres actores en estado de gracia, dirigidos con precisión y capaces de expresar todos los matices de unos personajes más complejos de lo que aparentan, me tuvieron hechizado durante una hora y cuarenta minutos, sin que el catálogo de imágenes de guía turística, el ping pong de la planificación, el recurso al contract killer como personaje cómico o el predominio de los diálogos sobre la acción ejercieran sobre mí efecto emético alguno.

 EN BRUJAS no es una película técnicamente perfecta; es incluso bastante irregular en este sentido, pues combina secuencias muy bien resueltas (el flashback en la iglesia) con otras un poco torpes (la escena culminante del parque, por ejemplo, gozne de la historia). Pero esa deficiencia (disculpable en una opera prima y más de un dramaturgo), la compensa de sobra su  admirable equilibrio, la pasmosa facilidad con la que pasa de la comedia tronchante al drama lacrimógeno, del gag irreverente o el slapstick a la profunda reflexión existencial. Y también la perfecta construcción del argumento: tras una excelente primera parte, en la que llegamos a sentir  verdadero afecto por esa curiosa pareja de asesinos contrapuestos que esperan en Brujas  órdenes de su jefe(  Gleeson y Farrell son un poco Laurel y Hardy, pero un poco también Vladimir y Estragón),

 el filme nos conduce a un brutal y sangriento tercer acto- dominado por la imponente presencia de un feroz Ralph Fiennes,

 que anuda todos los hilos de la trama y definitivamente coloca al filme entre las mejores comedias de humor negro con asesinos profesionales. Es decir, en esa lista donde están BUDDY BUDDY, GROSSE POINT BLANK y....ASESINOS, con Antonio Banderas.
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THE WACKNESS vuelve sobre el tópico tema del aprendizaje vital adolescente, y sitúa a su protagonista, Luke Shapiro, en un típico momento decisivo de reflexiones y dudas: el verano que separa la graduación del ingreso en la universidad. Pero introduce algunos detalles curiosos: a) está ambientada en el Nueva York del año 1994: el alcalde Giuliani inicia su política de tolerancia cero, y Kurt Cobain se acaba de suicidar;

b) Shapiro es un dealer amante del rap en casetes (hace mezclas como el Rob Gordon de ALTA FIDELIDAD) que cobra a uno de sus clientes, un estrafalario psiquiatra fumeta, con sesiones de psicoanálisis.

Sin duda, la película se sostiene gracias a Josh Peck, una mezcla de Milo Ventimiglia y el jovencito De Niro de MALAS CALLES.

 Peck aguanta de pie en todas las escenas que comparte con Sir Ben Kingsley  -de nuevo  interpreta a un tipo impredecible tocado del ala- y  expresa con pasmosa naturalidad la inocencia, la confusión, el asombro y la rabia de un chico de 18 años en fase de crecimiento emocional. La relación de amistad e influencia que se establece entre sus personajes (impagable el  Dr. Squires marcando su territorio con tags en plan grafitero)

es lo más destacado de una cinta que flojea al representar los (insípidos) conflictos entre adultos ( los problemas de Squires con su mujer, los de los padres de Shapiro ) y las ( blandas) relaciones entre adolescentes ( la historia de amor/desamor no acaba de cuajar).

THE WACKNESS es notable en algunos aspectos - por ejemplo, su original y simpático modo de reflejar el mundo interior de Shapiro, con guiños al cómic o al videoclip;

o su excelente banda sonora de canciones de rap y R N´ B. Pero no llega a dar todo lo que prometía en su poderoso arranque. En la vida, dice el Dr. Squires, a menudo nos convertimos en aquello que no deseamos ser. Y lo mismo pasa con las películas:  muy pocas veces la película que el director tiene en la cabeza es la que llega a las salas. THE WACKNESS seguramente pretendía ser atrevida, única, profunda,  pero se queda sólo en interesante y diferente. Un poco en la línea de ese insólito documental-ficción llamado AMERICAN TEEN.

El remake es ahora mismo una plaga en Hollywood, de acuerdo, pero miremos el lado positivo: hay directores con cierta personalidad contribuyendo a que la  epidemia no sea tan grave. Uno de ellos es el francés Alexandre Aja- el autor de la inolvidable ALTA TENSIÓN, cinta con claras posibilidades comerciales que curiosamente no se ha rehecho todavía- ; lleva tres películas en el cine americano y las tres son remakes -si contamos su próximo proyecto: una versión en 3-D de PIRAÑA que promete redefinir el sentido de la expresión ojos inyectados en sangre-, todos de cintas de terror.

 MIRRORS parte de un original japonés, que Aja logra hacer suyo a base de inquietantes atmósferas,   salvajadas gore(el suicidio de Amy Smart, cortesía de la mítica pareja Nicotero/Berger, es una de las secuencias más perturbadoras que yo recuerde haber visto en una pantalla),

 y hábiles juegos con  las expectativas-pienso ahora mismo en esa escena shock final en la que se atreve a mezclar el giro inesperado, tan de moda en los últimos años, con el típico cierre de filme con héroe de acción (aprovechando la presencia de Kiefer Sutherland).

El filme desarrolla la idea del espejo como puerta a otra dimensión, y es en realidad un espejo en sí mismo, en el que podemos ver reflejados elementos de numerosas películas del género, más o menos distorsionados; MIRRORS   se mira en POLTERGEIST, CANDYMAN, EVIL DEAD o EL EXORCISTA (a cuya música hay además un guiño del español Javier  Navarrete en los créditos iniciales) pero en ningún momento tenemos la sensación de asistir a un batiburrillo informe. De hecho, la película está razonablemente bien construida, y mantiene el interés durante buena parte de su metraje. Sólo en el tramo final desbarra y deviene una aparatosa fantasmada, inesperadamente  reconducida por su director hacia el curioso y un tanto irónico desenlace ya comentado.

La crítica no ha dicho

Ben Carson, el protagonista de MIRRORS, lucha contrarreloj por salvar a su familia como Jack Bauer (yo también haría lo que fuera para salvar a Paula Patton); lleva las mismas sudaderas con capucha de Jack Bauer;

sufre igual que Jack Bauer por culpa de sus traumas y la trágica pérdida de los que le rodean. Pero a la hora de conseguir lo que necesita, no llega tan lejos. Por ejemplo, a una monja que se niega a acompañarlo sólo le apunta con una pistola. Bauer no habría tardado nada en pegarle un par de ladridos y  un tiro en el brazo. Y eso después de haberle pegado un tiro en el pie a la Hermana Superiora.

Trailer subtitulado

Lo primero que uno piensa después de ver SURVEILLANCE y recuperarse, es que viene a ser como una película de David Lynch pero accesible. Es oscura, morbosa, terrorífica, pero se comprende. Producida por él y dirigida por su hija Jennifer, se trata de un estupendo thriller que, valiéndose de recursos más bien propios del cine comercial(el giro final que obliga a replantearnos todo lo que antes hemos visto, la perspectiva panorámica con varios personajes que relatan su versión de un mismo acontecimiento), logra adentrarse en esa zona del universo lynchiano donde individuos perturbados  chapotean complacidos en la violencia salvaje y el sexo enfermizo.

SURVEILLANCE bucea en la maldad del ser humano, en su naturaleza cruel, en sus perversiones, pero no lo hace de una manera desordenada y caótica, sino de tal modo que el espectador perciba una gradación. Así, cuando llegan los últimos 20 minutos, uno siente que la película le abre la puerta a una dimensión más profunda en la que es difícil respirar.Jennifer Lynch, a diferencia de su progenitor, prescinde en su historia de elementos oníricos, y en ningún momento visualiza lo que pasa por la cabeza de los personajes. De hecho, siguiendo una regla no escrita del cine, identifica la verdad con lo que se ve y la mentira con lo que se dice (entendemos que los personajes mienten cuando lo que cuentan no se corresponde con lo que vemos) .De modo que a la claridad expositiva une la objetividad.

Ciertamente, no es la suya una película lineal, hay saltos hacia atrás y desde diversos ángulos, pero están tan bien distribuidos, tan bien calculados, y progresan tan admirablemente hacia el atroz suceso que los motiva que en ningún momento el filme deja de fluir y cautivarnos.SURVEILLANCE ganó el premio a la mejor película en el último Festival de Sitges, y aunque no me parece ni mucho menos superior a LET THE RIGHT ONE IN, ese clásico instantáneo que también estuvo en la sección oficial, comprendo la decisión del jurado. SURVEILLANCE, después de atraparte con un perfecto crescendo, te rompe los esquemas y te deja en estado de shock; proporciona una experiencia cinematográfica pura y turbadora que llega a provocar verdaderos escalofríos. Y conseguir algo así, aun cuando sean evidentes ciertos excesos, merece el mayor de los reconocimientos.

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Sinopsis: A la comisaría de un pueblo perdido en el desierto han llegado dos agentes del FBI para interrogar a los testigos de una sangrienta carnicería en la carretera. Las declaraciones de los testigos, una joven drogadicta, un agente de policía y una niña, evidenciarán la actuación de un grupo de peligrosos asesinos aunque no todo lo declarado parece ajustarse a la realidad

Trailer en inglés

El funambulista francés Philippe Petit quedó fascinado por las Torres Gemelas incluso antes de que fueran levantadas, cuando sólo eran un proyecto anunciado en el periódico. Sabía que era imposible extender un cable entre ambas y utilizarlo para una de sus actuaciones, pero se lo propuso y no paró hasta conseguirlo en 1974, provocando el asombro del mundo entero. Cómo lo hizo es lo que cuenta MAN ON WIRE, un excelente documental que se beneficia y mucho del relato apasionado y minucioso del propio Petit (una especie de Tony Curtis que hubiera envejecido bien), así como de una inspirada partitura de Michael Nyman.

El filme  se centra en la hazaña de las torres neoyorquinas, y reconstruye la elaboración y ejecución del delirante plan ideado para conquistarlas- dramatiza los hechos en blanco y negro y sin diálogos, logrando un notable equilibrio entre la divertida recreación con actores, los emocionados testimonios de los implicados y el asombroso material documental . Pero no se limita sólo a esa gesta; narra también los hitos previos de Petit (en las torres de la catedral de Notre-Dame y en las del Harbour Bridge australiano), y la construcción del World Trade Center , en un montaje paralelo que los va aproximando hasta su definitivo y romántico encuentro.

 Curiosamente, uno de los testigos de la perfomance en Notre-Dame fue Paul Auster. En un espléndido texto recogido en Experimentos con la verdad, describe aquella inolvidable experiencia y emplea una comparación que MAN ON WIRE traslada al celuloide: «Otra cosa que me conmovió del espectáculo de Notre-Dame fue su carácter clandestino. Con la misma escrupulosidad de un ladrón de bancos que planea un golpe, Philippe había preparado su acto en secreto». Como si fuera un ladrón de bancos que planea un golpe. En realidad, MAN ON WIRE puede verse como una película de atracos perfectos (Los seis de Petit o algo así) -lo que los americanos llaman un big caper-, en la que el objetivo no es robar nada, sino crear belleza sobre el vacío a 450 metros de altura, «crear una sensación de libertad infinita», como escribe Auster.

Uno de los cómplices de Petit: ¿A que parece sacado de un big caper?

MAN ON WIRE no hace referencia alguna al 11-S, pero es inevitable tenerlo en mente al verla, sobre todo cuando aparece esta foto.

 Una foto que en su momento sirvió para expresar la dimensión del acto sublime de Petit, hoy expresa también el contraste en la grandeza del ser humano y su miseria, entre un chiflado amante de la vida y unos chiflados amantes de la muerte, entre una forma real  y una forma falsa de alcanzar el Paraíso. Las torres fueron borradas del mapa, pero la historia de Petit sigue y seguirá viva gracias a MAN ON WIRE. Que nadie se la pierda.

Trailer con subtítulos.

Hace cosa de un mes (aproximadamente) se estrenó en nuestras pantallas la quinta parte de una de las sagas más escalofriantes de estos últimos años: SAW

Atención, contiene SPOILERS!

En Saw V, se nos intentan atar muchos de los cabos sueltos durante las anteriores entregas, aunque eso sí, dejando sueltos unos cuantos más (como ya es de costumbre).

Aquí se nos presenta, en forma de flashbacks, como el inspector Hoffman (que al final de la cuarta parte vemos que estaba compinchado con Puzzle), llegó a unirse al maquinador de todos los mortales juegos, Puzzle.

Practicamente todo el film será a base de momentos del pasado, paralelos a las anteriores películas o cosas inéditas en los otors films.

En definitiva, una buena película, con sus juegos malévolos bien ideados y una buena dosis de sangre. Ni mucho menos supera a la primera parte, pero tampoco se queda corta. Eso si, el final no es tan enigmático como en las anteriores películas hasta que se analiza todo el film.

Leemos que Penélope Cruz quiere dirigir, y no nos extraña en absoluto, porque estamos más que acostumbrados a que los actores den el salto a la dirección. Los actores son ya cineastas, en tanto que cineasta es todo aquel que desempeña un oficio relacionado con el cine. Pero algunos quieren ser Cineastas, expresarse absolutamente con el cine; de tanto enamorar a la cámara, han acabado enamorándose de la cámara. Dos de los grandes cineastas de nuestro tiempo, de los pocos clásicos que quedan, son dos actores metidos a directores: Clint Eastwood y Woody Allen (en los setenta, cuando empezaron, tampoco era algo raro: ahí estaban Dennis Hopper o Warren Beatty). Y hay una lista cada véz más amplia de actores-directores cuyas películas generan expectación antes de su estreno: Tim Robbins, Sean Penn, George Clooney, Jodie Foster, Robert De Niro, Al Pacino, Ethan Hawke...

A ese grupo se une ahora James Franco con GOOD TIME MAX, su tercera película, una cinta independiente de bajo presupuesto que está en la línea de las películas libres y un tanto experimentales de Vincent Gallo. Por su argumento (dos hermanos cerebritos llevan vidas opuestas y son como vasos comunicantes: cuando a uno le va bien al otro le va mal y viceversa), podría haber sido perfectamente un filme en plan Edward Burns más orientado hacia lo comercial, pero Franco ha preferido explorar las posibilidades narrativas del medio, y concederse, como intérprete (es el protagonista), la libertad de hacer cosas que nunca podría hacer en una película de Hollywood, como por ejemplo depositar un zurullo en una alfombra.

Aunque GOOD TIME MAX se diluye y se vuelve reiterativa tras un prometedor inicio (sus 80 minutos escasos llegan a pesar); aunque es bastante arbitraria, pobre y desmañada en la forma (incluye metraje en vídeo digital), no es un mal filme: resulta divertida por momentos, y hay en ella la suficiente frescura y pasión cinematográfica como para augurarle a su autor un buen futuro. Quiero decir que nadie podrá, después de verla, usar la antecitada escena escatológica para hacer un mal chiste. James Franco no la ha cagado y eso ya es mucho.

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Trailer en inglés